Arte @ ONT

Biografía del artista:

Después de retirarse de una carrera de 35 años como enfermera y enfermera geriátrica, Terry Flanigan comenzó a pintar a tiempo completo. Trabaja principalmente con acrílicos, aunque recientemente amplió su paleta para incluir acuarelas. Su temática es variada e incluye arquitectura y paisajes, aunque ha descubierto que su verdadera pasión reside en pintar seres vivos: animales y plantas. Los retratos de mascotas son su favorito absoluto.

Declaración del artista:

Creo pinturas acrílicas sobre lienzo para mi disfrute y el disfrute de los demás. Me esfuerzo por mejorar mis habilidades técnicas como pintor. El arte se ha utilizado históricamente y en el presente para la curación. Los estudios científicos han demostrado que crear y ver arte ayuda a reducir el estrés. Espero que mis pinturas te hayan hecho sonreír.

Biografía del artista:

Jack Flanigan ganó su primer concurso de dibujo a los 5 años. Debido a que padecía dislexia, el aprendizaje académico fue difícil; la pintura y la creatividad fueron su escape. Una profesora comprensiva le pidió que creara sus tableros de anuncios. Ella le dio herramientas y un proyector opaco para trabajar, generando confianza y autoestima. También le ayudó a ver la alegría y la felicidad que su trabajo aporta a los demás. Espera que quienes admiran su arte se lleven el asombro y el júbilo de la luz y el espacio con los que juega mientras pinta.

Declaración del artista:

Creo pinturas acrílicas que capturan principalmente paisajes desérticos y temas estructurales a través de pinceladas expresivas y colores excepcionales. Utilizo pinturas acrílicas solubles en agua, pinceles de distintos tamaños y lienzos de distintos tamaños. Disfruto pintando al aire libre, así como también pintando en estudio, menos restrictivo y más imaginativo. Me inspiro en la arquitectura, el paisaje y la flora del Valle de Coachella. Utilizo pinceladas rápidas, una narrativa impresionista y me baso en mis observaciones y experiencias para crear mis pinturas. A menudo pinto en La Quinta Resort porque ejemplifica el paisaje y la arquitectura del sur de California. Las obras recientes tienen brillo y color más intenso debido a la saturación de luz en el desierto.

Biografía del artista:

Robyn MacNair es una educadora artística, administradora, defensora y defensora que trabaja en un gran distrito escolar urbano de California. Durante su carrera, ha apoyado y creado oportunidades para niños, jóvenes y educadores, permitiéndoles perseguir intereses, pasiones y aptitudes creativas. Su trabajo más reciente refleja su lucha interna sobre cómo ve lo que siempre ha sabido. Busca nuevas narrativas mientras abraza la ambigüedad y la curiosidad. Su intención es invitar al espectador a reimaginar lo que está en la superficie como algo desgastado, inútil o destinado a permanecer congelado en el tiempo y en un segundo acto.

Declaración del artista:

Utilizo el juego creativo, la investigación y la expresión como fuerza vital fundamental para mi propio bienestar. La pintura encáustica es un medio perfecto para manifestar las múltiples capas y complejidades asociadas con el abandono, la resiliencia y la buena suerte. Mi trabajo está plagado de capas, lo que recompensa a quienes están dispuestos a mirar más profundamente y descubrir sorpresas en los matices de mi trabajo. Me inspiran los viajes, las experiencias artísticas, así como todo tipo de artistas y formas de arte. Continúo estudiando, aprendiendo y perfeccionando mi oficio en la práctica de estudio.

Biografía del artista:

Clarine Commins nació en Brooklyn, Nueva York, se crió en Long Island y Los Ángeles y ahora vive en Palm Springs. Las artes con fibras tuvieron una fuerte presencia en el hogar de su infancia: su madre le enseñó a tejer y a apreciar la funcionalidad, versatilidad y belleza de las fibras. Su padre, arquitecto, le inculcó la importancia de la forma. Ambos le enseñaron a ser rebelde y curiosa, temas siempre presentes en su obra. Después de retirarse de una larga carrera como diseñadora y fabricante de accesorios y ropa para mujeres, Clarine dedicó su tiempo a explorar y promover su voz artística. Su tejido evolucionó hasta convertirse en vasijas de arte sostenibles y funcionales y sus técnicas de fieltrado se expandieron para incluir fieltrado húmedo, batán y fieltrado seco.

Declaración del artista:

Mis piezas de textura representan la fascinación actual por el color y el deseo de desafiar las reglas tradicionales de forma y función. Mi arte incluye elementos de fibras de colores vibrantes contrastantes, aplicados intencionalmente para evocar movimiento y vibración. Mis piezas están destinadas a evocar una respuesta emocional en el espectador. Utilizo diferentes técnicas de fabricación de fieltro para crear piezas maleables de tela de lana sostenible a las que doy forma de tapices de pared tridimensionales, coloridos, duraderos y esculturales.

Biografía del artista:

Mark ha estado pintando y dibujando desde su juventud. Estudió arte en Chaffey College (título AA) y en la Universidad de California Riverside. Es miembro de Artistas Asociados de Inland Empire, la Asociación de Arte de Pomona Valley, el Museo de Arte de la Comunidad Chaffey y el Museo de Arte de Riverside. Ha ganado numerosos premios por su arte. Desde que se jubiló, ha perseguido activamente su interés por el arte, exponiendo en museos, galerías y exposiciones de arte locales.

Declaración del artista:

El arte es una influencia predominante en mi vida y el proceso creativo es inherente a mí. Disfruto pintar en acuarela, acrílico, óleo y técnica mixta. Mis temas incluyen paisajes, arquitectura, estudios de figuras, naturaleza muerta y expresionismo abstracto.

Biografía del artista:

Hice mi primera vasija en 1964, cuando recogí arcilla de un charco después de una tormenta en el Parque Nacional Mesa Verde. Lo disparé en una fogata nocturna compartida con estudiantes graduados en arqueología que trabajan como guardabosques/arqueólogos. No me quedé con la antropología, sino que cambié a la carrera de psicoterapeuta. Continué dedicándome a la cerámica como afición. Tras jubilarse en 2007, hizo de la cerámica una de las principales tareas de mis años de jubilación. En 2018 me convertí en artista residente en AMOCA (Museo Americano de Arte Cerámico).

Declaración del artista:

Estas macetas representan el rango en el que trabajo. Tengo dos estilos básicos: uno influenciado por mi experiencia en arqueología (el comentario de un amigo fue "Parece antiguo, pero sabes que no lo es") y otro más ecléctico. La influencia más fuerte en mi estilo ecléctico es mi autoidentificación como colorista y mi experiencia en psicología. En la prueba de Rorschach, el color refleja emoción, una idea que utilizo en mis obras más dramáticamente coloreadas. El color no es fácil de gestionar. El horno hace lo suyo. A veces las llamas dan resultados maravillosos; otras veces estropean la forma.

Biografía del artista:

Pamela Fall es fotógrafa y artista, fascinada por la expresión del hombre a través del arte, la cultura y la arquitectura. Combina su amor por Italia, el arte y la fotografía llevando las imágenes a un nuevo nivel: pintando fotografías con acuarelas. Pinta la imagen completa (incluidos los detalles), realzando la calidad tridimensional de cada fotografía. La textura de alta definición resultante crea una nueva y maravillosa perspectiva. Su arte se encuentra en colecciones de todo el mundo; apareció en Discovery Channel; y festivales de arte italiano. También muestra su trabajo en el Festival Laguna Art-A-Fair.

Declaración del artista:

Después de varias visitas al país para ver a amigos italianos, me enamoré de la historia, la cultura, el arte y la arquitectura de Italia. Al combinar mi amor por el arte y la fotografía, he elegido llevar mis imágenes a un nuevo nivel. Las fotografías se imprimen en papel de acuarela de alta calidad y luego se pintan meticulosamente a mano con acuarelas aplicadas directamente sobre toda la imagen. La colocación del color mejora la calidad tridimensional de cada fotografía, lo que da como resultado colores y texturas que crean una calidad dimensional. Cada “pintura” es una obra de arte original y única.

Biografía del artista:

La Dakota del Norte rural de la década de 1950 puede no parecer un entorno ideal para un tipo de niño “diferente”, pero para Gorman fomentó una conciencia sensible del potencial y las necesidades dentro de sí mismo y de los demás. Eso influyó mucho en su carrera como educador y, más tarde, como artista. Gorman vive con su esposo en Claremont, California y expone localmente en varios lugares. El artista Gorman Bentley con su exposición en la Terminal 2. Gorman aprovechó el nuevo programa ONT+ para ver su exposición.

Declaración del artista:

Soy un artista “intuitivo”. Cuando era niño, pasaba innumerables horas contemplando las vastas praderas de Dakota, observando cuidadosamente los sutiles colores, texturas y formas de cada estación. El recuerdo de esos elementos ahora está infundido en mi trabajo sobre lienzo. Normalmente no me interesa pintar lo que ya se ha visto o lo que las palabras por sí solas pueden expresar. Cada obra comienza con un color seleccionado y evoluciona desde la primera pincelada hasta que la obra dice estar terminada. Te invito a entrar en el enorme y desolado mundo que mi joven mente alguna vez imaginó y a utilizar lo que está pintado en el lienzo para hacer tus propios descubrimientos únicos de ti mismo.

Biografía del artista:

Ichen Le es una artista emergente autodidacta con tinta al alcohol que comenzó su trayectoria artística en 2021. Cuando era muy pequeña, estuvo profundamente enamorada de hacer arte. Al crecer en la cultura académicamente competitiva y orientada a los resultados en Taipei, Taiwán, inconscientemente negó su alma de artista. En 2020 tuvo un giro transformador en su vida, comenzó a recorrer el camino interior y se conectó con su espiritualidad a través de la meditación y el análisis junguiano. Después de ser asesora financiera durante 17 años, Ichen finalmente reunió el coraje suficiente para llamarse artista en 2021. Para ella, el arte es la recuperación de su esencia original. Es pasar el rato y divertirse con su niño interior.

Declaración del artista:

Creo imágenes que me llegan a través de la intuición y los sueños. La fluidez y el proceso altamente intuitivo de la tinta con alcohol es lo que me hipnotiza tan profundamente. A través del flujo de tinta líquida, empujada por el aire o arrastrada por la gravedad, el proceso creativo es especialmente liberador. Cada pieza es una existencia única que no se puede duplicar. El proceso de creación de arte con tinta con alcohol es un recordatorio constante de mi cita favorita:
"Tienes miedo de rendirte porque no quieres perder el control. Pero nunca tuviste control; lo único que tuviste fue ansiedad".
 -Elizabeth Gilbert

Biografía del artista:

Ingrid Tegnér nació en el sur de California y pasó la mayor parte de su infancia en bases de la Fuerza Aérea. Los estampidos sónicos dominaron el paisaje sonoro de su infancia. Viajó, vivió en Suecia, luego en el área de Washington DC, su hogar durante muchos años. Su regreso a California fue motivado por la necesidad de estar cerrada a sus padres ancianos. Ex trabajadora social con una pasión por el arte de toda la vida, completó su licenciatura en Bellas Artes en 2019. Para Ingrid, hacer arte es un medio de desarrollo espiritual y expresión del alma. Su proceso incluye una profunda reflexión y meditación.

Declaración del artista:

Como residente de Riverside, California, siento regularmente las vibraciones de explosiones sónicas y terremotos. Cuando investigaba la falla de San Andrés, me fascinaron las imágenes visuales de un terremoto simulado. He creado esos patrones visuales con suminagashi, una técnica japonesa de marmoleado de papel. Literalmente, la palabra significa "tinta flotando". Las capas de suminagashi se colocan debajo de capas de cera, como la actividad sísmica que percibimos bajo tierra. Hice las marcas encima de la cera usando una plantilla que creé con rollos de pianola antiguos: música del pasado, de otra época de gran desigualdad social: 1929.

Biografía del artista:

Nací y crecí en el sur de California y la diversidad de su topografía y cultura me han brindado un caldo de cultivo fértil para mi imaginación e inspiración para crear bellas artes digitales. A veces creo para ganarme la vida y otras por diversión, pero siempre por pasión. ¿Qué me inspira? Nada y todo. No represento un solo tema. Mi trabajo es el fruto visual de mis variados y aleatorios intereses. No sigo ninguna formalidad. Ningún proceso de investigación es más importante que el mío. Esa es la belleza de crear bellas artes en comparación con mi carrera en diseño comercial. No existe una única forma de representar la belleza siempre que se haga con convicción.

Declaración del artista:

Victoria Johnson, conocida como The Sketchie Beast, es una diseñadora e ilustradora de carrera que ahora se perfila como una artista plástica digital. Presentó su primera pintura en un concurso público a los siete años y luego comenzó a satisfacer su pasión por el arte. Desde su primera exposición de bellas artes en la prestigiosa Art-a-Fair de Laguna Beach hace tres años, ha participado en muchas exposiciones locales, incluido el Festival de las Artes de Ontario, y ha sido jurado en exposiciones, tanto físicas como en línea, en todo el país. .

Biografía del artista:

El arte de Terry combina su amor por el lebrel afgano y el aire libre. Se destaca por sus escenas de exposiciones caninas, su escultura y su trabajo con espátula cuando pinta al aire libre. Viajar por el mundo para juzgar al lebrel afgano le ha dado la oportunidad de pintar el paisaje en muchos países. Un lugar favorito para pintar es Inland Empire, donde existe tanta diversidad entre invierno, verano, primavera y otoño. Las palmeras y las montañas cubiertas de nieve son uno de los favoritos.

Declaración del artista:

Terry Chacón es escultor (bronce y cerámica) y pintor al óleo (estudio y plein air). Ha recibido premios en concursos nacionales e internacionales y su trabajo se encuentra en más de 25 países. Ha criado perros afganos durante más de 40 años y utiliza sus travesuras, elegancia e historia antigua tanto en esculturas como en pinturas. Ha realizado dos exposiciones individuales en el Museo del Perro del American Kennel Club en St. Loius, y su trabajo al aire libre se puede ver en la Galería de Arte Catalina en la Isla Catalina. Su estudio en Redlands está abierto con cita previa y para su gira anual por el estudio en diciembre.

Biografía del artista: Britney Lu nació en Arcadia, California. Actualmente cursa su último año en las Escuelas Webb de California en Claremont. Su primera experiencia como artista fue en la escuela primaria, preparándose para una exhibición de arte donde le enseñaron a trabajar con arcilla. Su madre, que era profesora de arte, fue su principal influencia y ayudó a Britney a mejorar sus piezas de arcilla. Cuando Britney reconoció su capacidad para crear a mano obras de arte realistas, comenzó a estudiar por su cuenta y aprendió lentamente a través de prueba y error. Britney quiere alegrar a su audiencia y mostrarle al mundo su dedicación creativa.

Declaración del artista: Yo creé estos obras de arte durante COVID. Todos son inspiradores y brindan esperanza y consuelo durante los tiempos difíciles de la pandemia. Tienen un tono cálido para transmitir sensación de felicidad, y he utilizado muchos elementos propios de la primavera, mi estación favorita del año. Mi principal medio para el arte es la arcilla. Todas mis piezas incluyen arcilla, ya sea como flores u otras cosas. Todas mis obras de arte representan un nuevo ciclo de vida, un nuevo nacimiento, un nuevo rayo de esperanza en el mundo.

Biografía del artista: Cj Jilek es un artista de estudio y educador que ha trabajado en el campo de la cerámica durante más de 25 años. Miembro del cuerpo docente de la Universidad Estatal de California en San Bernardino, Chaffey College y Mt. San Antonio College, tiene una maestría en Bellas Artes de la Universidad Estatal de Utah. Además de un extenso historial expositivo, Cj ha impartido talleres de cerámica en Indonesia, Australia, Nueva Zelanda y en todo Estados Unidos. Su carrera en cerámica se ha transformado desde artículos utilitarios hechos con leña hasta esculturas biomórficas de rango medio. El entorno natural de plantas, insectos y criaturas inspira a Cj y da forma a sus esculturas animadas de forma única y superficies distintivas.

Declaración del artista: Inspirándome en la sensualidad del mundo natural, utilizo formas botánicas como metáforas de la sexualidad humana. Eliminar la presencia de tallos y hojas elimina el contexto físico de las plantas, permitiendo que la vista se centre en la forma específicamente en términos de su sexualidad. Las formas de los estambres y pistilos crean un lenguaje visual, estableciendo correlaciones directas entre las formas botánicas y el cuerpo humano. Estas formas biomórficas están diseñadas para llevar al espectador a una asociación subconsciente entre la naturaleza y el instinto humano de atracción. A través de mi trabajo, cuestiono ideas de belleza, adaptación y deseo.

Biografía del artista: Darrel McPherson ha pintado más de 1000 obras de arte en los últimos 30 años. Trabaja al óleo sobre lienzo, pintando escenas cotidianas de la naturaleza y hermosas formas de la vida. Ha expuesto localmente en galerías y exposiciones en Escondido, Carlsbad, Solana Beach y San Diego, y a nivel nacional en Memphis, Kansas y Arizona.

Declaración del artista: Considero la Escuela de California como mi escuela de influencia, con toques de Escuela Francesa. Mis influencias artísticas son Edgar Payne, Maurice Braun (San Diego), Pissarro, Gauguin y Monet. Mi trabajo ha seguido evolucionando a lo largo de los años. Quiero que mi arte sea visto como algo en constante cambio y de escala humana.

Biografía del artista: La artista nativa de California Kate Joiner utiliza pinceladas sueltas instintivas y paleta de colores como representación de su entorno. Recibió una licenciatura en multimedia de la Universidad Estatal de San Diego. Artista galardonada, su trabajo se ha exhibido en el Instituto de Arte de San Diego en Balboa Park y en el Museo de Arte de Oceanside.

Declaración del artista: Hago arte a partir de lo que me rodea física y mentalmente, pasado y presente. La gama absoluta de mi trabajo es una declaración de mí, mis observaciones, desglosadas en secciones de mi personalidad y representadas en series, conectando estos variados intereses en mi arte para que coexistan. Como nativo de California, me preocupa el desarrollo/destrucción de nuestra comunidad costera.

Utilizando la naturaleza sin obstáculos como punto de base, agrego figuras, objetos y líneas arquitectónicas que se manifiestan en mi trabajo. Ya sea en un trabajo estructurado o intuitivo, la composición y el color son muy importantes y mi objetivo final se logra cuando la pieza puede verse en diferentes direcciones. Mi trabajo se siente completo cuando el equilibrio entre la aplicación de pintura suelta y las líneas de refuerzo crean una sinergia que contrasta pero también es armoniosa.

“Como pintor y artista multimedia, a menudo exploro cómo la persona humana se conecta con nuestro paisaje de California, considerando su desarrollo y destrucción a lo largo del camino. Soy igualmente feliz trabajando en obras pequeñas o de gran escala, siempre y cuando se pueda transmitir un mensaje y una intriga dentro de cada una”.

Biografía del artista: Natasha Patel es una artista abstracta autodidacta. Al crecer, quedó fascinada por el enérgico expresionismo de Jackson Pollock y el feminismo subyacente retratado por las flores de Georgia O'Keefe. En sus trabajos recientes, ha estado fuertemente influenciada por los patrones y estructuras que se encuentran en la naturaleza. Actualmente está trabajando para combinarlos en un estilo abstracto cohesivo que juegue con todas las influencias.

Declaración del artista: Al combinar el expresionismo abstracto con la ciencia, hago pinturas contemporáneas con colores y patrones llamativos que crean una experiencia visual y sensorial. Dejo que la ciencia y la gravedad sean mi fuerza guía mientras creo. Al aplicar capas de acrílicos fluidos con tintas, pinturas en aerosol y pinturas para vidrio, las diferentes opacidades y viscosidades de los medios interactúan, creando efectos y texturas especializados. La gravedad toma el control cuando inclino las pinturas húmedas sobre la superficie del lienzo y el material se estira para formar formas y líneas abstractas. Los resultados a menudo recuerdan a montañas, cielos, cáusticos de agua (patrones de luz) o animal print (el pelaje o la piel de los animales), dependiendo de lo que se inspire en el momento de la creación.

Biografía del artista: En la década de 1990, Quincey Grace creó muebles pintados de forma extravagante que vendió en la ciudad de Nueva York; San Antonio, Texas; Scottsdale y Sedona, Arizona; y Laguna Beach y Malibú, California. En 2020, pasó a la escultura en cerámica, que ha expuesto ampliamente en espacios locales.

Declaración del artista: Me encantan los colores brillantes, las texturas de las telas, las cuentas de vidrio, las flores, las mariposas, los encajes, los patrones geométricos, los tocados extravagantes y los estallidos de lo inesperado, como un pez inexplicablemente posado sobre una cabeza humana. Disfruto tejiendo todos estos elementos en mis piezas.

Mis esculturas suelen estar inspiradas en pinturas y fotografías de otros artistas. A través de mis esculturas, invito a los retratos a salir de sus lienzos al mundo 3D y convertirse en nuestros amigos. ¡Ven a conocer a mis amigos!

Biografía del artista: Howard L. Smith nació y creció en Windsor, Connecticut y emigró a California en 1974. Comenzó a hacer fotografías a los 12 años y continuó mientras estudiaba música en el Conservatorio de Música de Hartford, haciendo fotografías con el mismo celo e intensidad que su música.

Su interpretación de una escena o tema sorprende al espectador al ver los detalles y crea un estado de ánimo que conmueve el ser interior del espectador. Al fotografiar vida silvestre en un hábitat natural, parecen actuar para él y el agua, las nubes, la luz del sol y las sombras parecen bailar para su lente.

El trabajo de Howard se ha exhibido ampliamente a nivel nacional e internacional, y tiene imágenes de archivo en la revista National Geographic. Es miembro fundador del Inland Empire Photo Club (IEPC).

Declaración del artista: Como ex músico, creo que poder tocar múltiples estilos musicales es una ventaja. Esta actitud se traslada a mi fotografía. Debido a que creo imágenes en diferentes géneros, puede que no siempre sea un tema específico lo que me entusiasme, sino más bien la idea de capturar un momento en el tiempo, ya sea un paisaje, un retrato o la vida silvestre. Para mí, es ver un sujeto inusual, una luz hermosa o una escena hermosa, y tener la capacidad de congelar ese momento en el tiempo.

Biografía del artista: Gray Matter es un artista, diseñador, ilustrador y muralista multidisciplinar cuyos trabajos van desde la ilustración tradicional, el graffiti y el arte callejero hasta el diseño gráfico, el diseño en movimiento y la impresión 3D. Mientras crecía en el sur de California durante la década de 1990, el graffiti se afianzó y se convirtió en una salida más allá de la mera rebelión. Inspiró las décadas de creatividad que siguieron. Hoy la inspiración proviene de su amor por los cómics, la ciencia ficción, la naturaleza, la antropología y el rápido avance de la tecnología.

Declaración del artista: Combino métodos aprendidos durante años haciendo graffiti con técnicas de ilustración tradicionales para explorar la humanidad, la naturaleza, la tecnología y cómo interactúan entre sí. Para lograr esto, aplico capas de pintura en aerosol, acrílico y tinta en composiciones de imágenes caricaturescas e incorporo elementos simplificados de cómics, ciencia ficción, fantasía y cultura pop. Adopto un enfoque similar de superposición con mi trabajo digital. Es mi manera de intentar encontrar el significado de la vida y la existencia en el universo, respondiendo a las grandes preguntas dibujando y pintando lo que tengo en la cabeza.

Biografía del artista:

Chad La Fever es un escultor de metal cuyo medio preferido es el bronce al silicio, ya sea fundido o esculpido directamente a partir de una lámina de bronce. También trabaja con una variedad de metales, incluidos acero dulce, acero inoxidable y aceros resistentes a la intemperie como el Cor-Ten. Chad desarrolló sus habilidades durante un mandato de 7 años en una fundición de bronce artístico que fabricaba esculturas de bronce para muchos artistas conocidos. Sus habilidades profesionales incluyen la fabricación de moldes, trabajos en cera, fundición, acabado y pátina. Su trabajo abarca desde pequeñas esculturas muy detalladas hasta arte público monumental: su verdadera pasión. Su arte público incluye dos obras de arte público temporales en Redlands, California y St. Charles, Illinois, así como múltiples esculturas monumentales permanentes ubicadas en Columbia, Missouri, Jefferson City, Missouri, Roseville, California y Batavia, Illinois.

Declaración del artista:

Lo que más me atrae son las formas escultóricas que combinan elementos orgánicos con la cultura y la experiencia humanas para invocar el pensamiento y la emoción. Gran parte de mi trabajo es una representación escultórica abstracta sobre el tema de la tecnología y las redes sociales que han cambiado drásticamente nuestra sociedad y cómo nosotros, como miembros de una comunidad, interactuamos entre nosotros. El alter ego de este conjunto de obras son formas inspiradas en nuestro entorno natural que representan sentimientos, emociones o experiencias al aire libre, libres del estrés diario. 

Biografía del artista:

Nacida en Chicago, Illinois, Nancy Sakurai se mudó con su familia al condado de Orange, California a una edad temprana. Heredó una familia de artistas, artes escénicas y profesionales de la salud. Ha ganado concursos de arte locales en Anaheim y Laguna Beach. Sus pinturas representan experiencias personales en óleo, acuarela y acrílico. Con lienzo, pincel y colores brillantes, Nancy captura un estado de ánimo y da vida a una imagen. Nancy es miembro del Museo de Arte de la Comunidad Chaffey e ilustradora de arte para Guardian's Gate Games. Participa en exposiciones de arte locales y en 2016 recibió el premio Mujer del Año del Estado de California para el Distrito 53 de la Asamblea.

Declaración del artista:

Mi obra de arte es una consideración de varios lugares que he descubierto en este mundo en el que vivimos. Mi trabajo ha tomado diferentes formas y expresiones, pero siempre desencadena una apariencia significativa y cautivadora de lo que mis sentimientos transmiten al espectador. Claro y preciso; Los trazos tediosos siguen acaparando la atención. Mi inspiración del pincel al papel son las sonrisas tácitas en los rostros de los espectadores. Intento crear acción que hable dentro de la belleza y la tranquilidad de un tema. Los colores brillantes salpican emociones de entusiasmo y el entusiasmo del momento, capturando un estado de ánimo y dando vida a la imagen.

Nancy es miembro del Museo de Arte de la Comunidad Chaffey e ilustradora de arte para Guardian's Gate Games. Participa en exposiciones de arte locales y en 2016 recibió el premio Mujer del Año del Estado de California para el Distrito 53 de la Asamblea.

Biografía del artista:

Frank Perez tiene más de 20 años de experiencia trabajando como fotógrafo comercial con clientes privados, corporaciones y varios periódicos y revistas en Inland Empire. Después de completar su maestría en Bellas Artes en la Universidad Estatal de California en San Bernardino, Frank comenzó a enseñar y ayudar a estudiantes de nivel universitario y de secundaria como artista residente. El trabajo de Frank se ha desarrollado para capturar no sólo los componentes técnicos de la fotografía, sino también la intención y la emoción que abarca el arte.

Declaración del artista:

Trabajo para crear una ventana fenomenológica combinando mi fotografía, observaciones escritas, poesía y experiencias de vida. Esta práctica invita a un diálogo entre los me, de la forma más yo mismo y la I en un viaje introspectivo que requiere un momento de apertura no sólo por parte de mí, el creador, sino también del espectador. Al crear estas obras, invito al espectador a mi espacio personal para observar la intimidad de mis pensamientos y mi monólogo interior en contraste directo con los medios contemporáneos de interacciones personales, recopilación e intercambio de información.

Biografía del artista:

Nancy Reyes participó en el Concurso de Artes Caseras de la Feria del Condado de Los Ángeles de 2022 y quedó en tercer lugar por sus muñecas artísticas cosidas a mano. Recicló diferentes prendas de vestir, una almohada y joyas para crear su versión de los grandes artistas mexicanos Frida Kahlo y Diego Rivera. Las muñecas artísticas de Nancy fueron parte de la exposición mensual de octubre de 2023 de la Asociación de Arte de Pomona Valley: Sueños y pesadillas. Siga a @NancysHouseofDolls en Instagram para mantenerse al día con sus últimas creaciones.

Declaración del artista:

Mi amor por el arte comenzó en el jardín de infantes cuando usé mis manos para crear algo por primera vez: ¡se sintió como magia! Crear arte me trae paz. Cuando mi arte hace sonreír a alguien y pensar en un buen recuerdo, eso me llena de alegría. Esta pieza es mi interpretación de la boda de Frida Kahlo y Diego Rivera pintada por Frida Kahlo en 1931.

Biografía del artista:

Ronald Wolff ha vivido desde 1995 en Inland Empire, donde se desempeñó durante dieciséis años como presidente y director ejecutivo de una gran organización sin fines de lucro que brinda asistencia a adultos con discapacidades del desarrollo. Ahora jubilado, sus principales pasatiempos son la escritura y la fotografía. Sus cuentos han aparecido en varias revistas literarias. Sus fotografías se han publicado en revistas de distribución nacional y se han exhibido tanto a nivel local en el Chaffey Community Museum of Art como en todo el país en exposiciones con jurado.

Declaración del artista:

Mi fotografía abarca una amplia paleta de belleza natural, arte abstracto y retratos del alma humana. Intento capturar un mundo complejo repleto de elegancia, tristeza, asombro, fuerza, vulnerabilidad, ternura, incapacidad para alcanzar la cúspide de la experiencia humana potencial y, ocasionalmente, alivio cómico. En este conjunto de imágenes, muestro la hermosa pero esquiva amapola de California, una flor que ama el sol pero que con frecuencia oculta su alma artística cuando se la ilumina directamente. Todas las fotografías fueron tomadas en el sur de California, principalmente en Claremont. 

Biografía del artista:

Sonia Sleeger es una artista abstracta autodidacta que reside localmente en Norco. Trabaja principalmente con acrílicos, tintas con alcohol y diferentes medios para crear un estilo único de arte contemporáneo sobre lienzo.

Encontró su lado creativo mientras cuidaba a un familiar que padecía demencia o enfermedad de Alzheimer. El arte fue su terapia personal para afrontar la tarea de ser cuidadora. Encuentra tanta alegría en la pintura, desde el proceso de pensamiento inicial y la inspiración, hasta el primer momento en que pone pintura sobre el lienzo. A menudo se pregunta: “¿Adónde me llevará este cuadro?” Sonia participa en festivales de arte en Ontario y Claremont.

Declaración del artista:

Como pinto con óleo, acrílico, acuarela y pastel al óleo, me considero un artista multidisciplinario. Mi estilo de creación favorito es el arte abstracto. Disfruto usando colores llamativos en mis obras de arte y creando nuevos colores mezclando diferentes colores. ¡Poder crear algo a partir de un solo pensamiento es algo glorioso! Disfruto asistir a talleres de artistas consagrados, leer sobre diferentes técnicas y ver arte en persona en galerías y museos locales.

Biografía del artista

A pesar de su profunda pasión por el arte y el éxito internacional en la pintura, Arzu Castel Can se vio obligada a seguir una carrera en la dirección opuesta. Al final, la presión familiar no pudo impedirle seguir en secreto una educación en arquitectura de interiores durante la universidad y tomar muchas clases de pintura después de graduarse.

Declaración del artista

Durante la pandemia, Arzu finalmente tuvo la oportunidad y el tiempo de involucrarse más profundamente en sus actividades artísticas. Expuso su arte en Claremont y Pomona Art Walks en varias galerías, así como en la exposición Fullerton Art Town organizada por el Museo Fullerton. En abril de 2023, Arzu fue curador de la exposición de arte You Are Not Alone, un evento de recaudación de fondos en la Galería Ginger Elliott en Claremont para ayudar a las víctimas de los terremotos en Turkiye y Siria.

Mi obra de arte explora la miríada de mujeres que residen dentro de mí. Creo firmemente que la vida es una autocreación continua y me encuentro activamente involucrado en este viaje de autoreinvención. Mi objetivo no es alcanzar la perfección; en cambio, siento un gran placer al abrazar el viaje en sí. Dentro de mis pinturas encontrarás una fusión de elementos abstractos y figurativos, acompañados de varios estilos de dibujo. Disfruto la oportunidad de experimentar con diversas técnicas y medios mientras desafío el concepto idealizado de la "mujer perfecta" arraigado en nuestra conciencia colectiva.

Biografía del artista

Angela Koenig es una artista galardonada reconocida por una variedad de medios y géneros. Su conjunto espontáneo de color y textura impulsa su estilo atrevido y distintivo. Ha aparecido en la revista KOI USA, el Southern California Lifestyle Show de News Net, KFON TV y revistas de California, incluida Art Patron. Ángela participa activamente en la escena artística regional como profesora, jurado, artista de demostraciones y talleres y como facilitadora de muchos grupos y organizaciones artísticas. Su trabajo ha sido incluido en numerosas exposiciones individuales y por invitación. Angela utiliza una variedad de medios artísticos: óleo, acuarela, acrílico, encáustica, pastel, grabado, técnica mixta y pincel chino.

Declaración del artista

Esta colección se titula Nature Walk y se inspiró en los cambios de estaciones, el esplendor del aire libre y los reflejos de un momento tranquilo y sereno en el tiempo. Espero que puedas imaginarte dando un paseo por el bosque o zonas de agua y que sientas los momentos tranquilos de la naturaleza en su gloriosa belleza.

Biografía del artista

Jen Shakti ha estado pintando y haciendo arte toda su vida. Se crió en una familia artística que abarca cuatro generaciones. Su educación formal incluye dos años en el Instituto de Arte de Chicago y en el Laguna College of Art and Design, donde recibió su BFA en 1995. Jen crea en el estudio de su casa en Yucca Valley, California. con vistas a un antiguo bosque de emblemáticos árboles de Josué desde sus ventanas.

Declaración del artista

La naturaleza es mi camino espiritual; me considero un “biólogo de patio trasero”. Pinto los detalles inusuales y fantásticos de las plantas y los hábitos de los animales que encuentro. Mis pinturas muestran los tesoros de la tierra al acercar al espectador a mis experiencias místicas, lúdicas y divertidas con la naturaleza. Comparto el sentimiento de apoyo y rejuvenecimiento que recibo de la tierra que está disponible para todos. Pinto en acrílico pero disfruto trabajando con una variedad de materiales y técnicas para expresar una multitud de ideas. Las características distintivas de mi estilo son el realismo, el simbolismo místico y el detalle botánico y compartir mi amor por el mundo natural. Utilizo colores brillantes, movimiento, yuxtaposición de tamaño, escala y humor para elevar el espíritu.

Biografía del artista

El artista y educador Pat Watson crea obras de arte únicas en una variedad de medios, con énfasis en trabajos relacionados con la vida en California: desde la costa hasta los desiertos, desde la representación expresiva hasta la sugerencia surrealista. La exploración creativa es una característica definitoria del trabajo de Pat y con frecuencia combina medios y técnicas para lograr una apariencia un poco diferente a todo lo que hayas visto antes.

Declaración del artista

Estas pinturas evolucionaron a partir de mi vida en el alto desierto de California y representan mi intento de interpretar la vida dinámica y el paisaje con un enfoque técnico único que combina tinta, acuarela y gouache. En mi aplicación de los medios a la superficie, me desafío a mí mismo a explorar la profundidad y los detalles de lo que veo de forma meditativa, viendo cada detalle como una faceta de las joyas metafísicas que se encuentran en el desierto.

Biografía del artista: Paul Kelley es un artista radicado en Inland Empire que combina fotografías, videos, proyecciones y objetos encontrados para crear imágenes, animaciones e instalaciones. Su fuerza motriz es encontrar elementos y materiales comunes del entorno cotidiano y convertirlos en temas de atención y concentración. La obra se basa en la idea de observación y documentación lúdicas. Paul ha expuesto obras de arte en todo el sur de California. Recibió su licenciatura en Arte de Estudio de la Universidad de California, Riverside y su maestría en Artes Visuales de la Claremont Graduate University. Recibió el premio de fotografía Joe Sonneman de CGU.

Declaración del artista: Al principio pensé en cómo las vallas podrían entenderse como dispositivos de medición. Ciertos materiales y el entorno circundante pueden ser instrumentos para observar el cambio. Al fotografiar vallas en todo el interior del Imperio, descubrí que algunas tenían una presencia muy escultórica en el entorno o adquirían la apariencia de un collage. Empecé a verlos como obras de arte inadvertidas. Se volvió interesante pensar en la elección de materiales: los elementos, la actividad, la propiedad y el entorno en general. ¿Cómo surgió todo? ¿Cómo podrían cambiar estos espacios con el tiempo?